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＜論文類得獎作品評審意見＞

▓ 楊衍畇 － 瘋狂敘事˙建構神話──論達利以「偏執狂批判」創造之「晚禱神話」
使用豐富文獻，試圖對達利的創作方式進行較為開放性的多重解讀，表達出作者在當代與超現實畫家之間揉合一起的意圖。文字修辭與論理上的書寫也相當流暢清晰，惟作者於鋪陳時，在「達利式神話」一節佔了較多的篇幅，讓架構失去均衡，不過瑕不掩瑜，論文提及變形概念在「晚禱」主題的繁衍問題，確實重新打開一個可供開發的論題。

▓ 王人英 － 班雅明筆下的《新天使》密碼
以一段班雅明對克利《新天使》的評論為貫穿線，依序拉出班雅明譬喻式的星叢語言、猶太的神秘主義、廢墟和唯物史觀，算是相當有創造性的寫法。作者在論述過程中，主要引用班雅明幾本主要著作，反映作者參閱資料的豐富與用心，較可惜的是文中大量以哲學術語進行論述，導致有語焉未詳，詞彙混淆之憾。

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＜論文類整體總評＞

參加這次論文獎的九篇文章，其中有四、五篇頗具風格，經過數次激烈討論，最後選出深具理論辯析的野心、引用豐富、文采斐然的作品，值得一提地是，另有兩、三篇較為小品的文章，也十分得到評審們的讚賞。

〈瘋狂敘事．建構神話──論達利以「偏執狂批判」創造之「晚禱神話」〉一文，是目前以中文剖析達利「偏執狂批判」最為深入的文章，作者對達利1929年提出「偏執狂批判」之後數年，在藝術理論與繪畫創作對「偏執狂批判」的發展，做了具體而生動的探尋，並提出傳記式的解讀，也嘗試與相關超現實理論，像是布荷東、巴泰爾、拉岡、凱羅亞等人的超現實觀念，做了有趣的互文性對話。作者所引用的書籍，很能展現歐美學界近年來的研究成果，對期刊論文的追索則較為不足，造成一種對相關論題與視覺分析精彩地點到為止，引人發想、卻意猶未盡的感覺。

〈班雅明筆下的《新天使》密碼〉一文，是一篇經過時間的沈澱與熟成，深具美學思考縝密度的論文。作者明確地分析班雅明的歷史哲學與猶太神祕主義與馬克思主義的淵源，並具體以班雅明對克利畫作《新天使》的詮釋，來闡發他的廢墟美學、寓言理論、批判史觀，將班雅明玄奧艱澀的思辯風格，轉化成精湛與犀利的學術論文。作者擅長在每個段落的鋪陳之後，提出進一步的問題，並在下一段落繼續推衍論析，展現引人入勝的誘讀性，以及前後呼應、層層開展的緊密度與深入感。

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＜論文類整體總評＞

每一次面對美學論文獎的投件論文，對自己來說都像是一種「網」聚，儘管在審議與討論的階段都仍是單向的「會面」，但這些原本無論在生活或是專業工作的有限範圍中都難以見到或結識的「思考者」，卻能夠讓自己以著極為靠近的距離審視自身對於美學的思考。其中自己往往更像是被投件者考驗的人，而發生著一種內在的回饋。

就今年投件的文章來看，理論探究、個案分析研究或是研究客體的創新基本上作為主要的三個分佈範疇，在理論探究上的進展，可以見到對於文獻資料的處理有著更為細緻的表達、脫離以斷章取義的方式進行問題意識建構的想像以及將歐美理論的思考連結上台灣經驗與台灣脈絡的嘗試，上述三個面向都有助於理論創造的推進，但與此同時有另一個值得重新商榷的面向，就是參照理論典範的「慣性」，從海德格、班雅明、巴特、傅柯、德勒茲等成為大多台灣美學論文的參照，這似乎也呈現為在各式的美學理論問題背後，存在著亟需在論述中省思的「意識形態」框架。

個案分析的研究則有著幾個令人可喜的面向，一是當代藝術家的個別藝術計劃成為研究課題，另外，也有論者在重新演繹經典個案分析時，意識到更新文獻或進行更多文獻間辯證的必要性，最後，則關注到原有藝術範疇之外的創作者等等。但主要且根本的問題則會出現在個案分析容易局限在引用資料對於作品的證成與再詮釋，往往不能更直接地建構出美學觀念或反向地檢討更新理論，大多都僅僅透露出一些跡象即止步。

研究客體的創新是這幾個面向中在以往較沒有被開發的，它涉及到典範理論的適用性與創作價值的評估，但這個面向的發生確是令人期待的，因為陌生客體與不確定價值的面對，可以迫使思考者更趨近於自身經驗與知覺的累積，較不會落入典範文獻間的自說自話或重複歐美論述的演繹。所以個人對於這個面向的期待也就指向更為深刻地打造美學語言。

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＜造型藝術類整體總評＞

來到2010年底，世安文教基金會已經完成了第十個年頭的美學論文獎與藝術創作贊助計畫。就一個民間的文教基金會而言，低調、持續且默默地進行著這樣一個文化工程，實在是難得的成就，值得誌記。

2010年造型藝術類的評審組成，延續近幾屆來的重要精神，盡量不從眾多學生申請者所就讀的藝術本科或本系當中，去延攬原本已在創作學程擔任專任的教授們，來擔任評審。同時，在評審結構當中，除了藝評、策展、創作理論等專業人士之外，也希望盡量請到本身也是藝術家的評審至少一位。此一做法是為了讓申請者能夠得到更多元或甚至異質的評審檢驗，使獲得贊助的年青創作者，較能名副其實地得到階段性的鼓勵與肯定。本年度較值得一提的是，基金會首度邀請了來自澳洲的研究學人謝菁菁（Natalie Seiz）小姐擔任評審。評審期間，她正好來來此進行台灣當代藝術的田野調查與研究，基金會因此特別邀約她擔任委員。

2010年申請贊助的學生總數較為減少，進入評審議程的申請數為59位，此一現象值得來年進一步觀察與追蹤。送件者當中，繪畫的總數仍佔相對多數。雖然如此，卻因為顯得較為刻板，同質性高，反而較少令人驚豔的新意與表現，頗令人遺憾。電玩式的形象語言；數位照片式的超寫實風格；超現實主義流風；表現主義式的顏料滴流或誇張肌理；以及以建築空間圖的樣式，再現城市空洞地景的表現──這些風格在近幾年來，幾乎已經蔚為一種新刻板或新裝飾的畫風，而欠缺內在的活力。另一方面，新媒體藝術類型的申請者，在比例上似乎有增加的趨勢，在質地上也很值得進一步的期待。不過，其中有些申請者較傾向於媒體技術應用的表現，與純粹創作仍稍有距離。值得許多申請者自我檢討的是，無論在自我要求上，在送件資料的準備上，或是在創作主題、內容與技巧的成熟度上，均仍有極大的成長空間。

整體而言，2010年較為出色的表現，主要集中在活動影像的創作。獲得贊助的錄像作品──有的較接近「影片藝術」（film art）的形態──在藝術語言的表達上，無論在觀念性或是技術語言的呈現，都較為完整，而言之有物。相較之下，繪畫與雕塑的創作者則因為明顯刻板化，且無明顯成長，因此在此次的評審結果中從缺，這是較大的遺憾。此一現象或許也反映了近年來年青創作者常見的一種藝術市場症候群。由於畫廊爭相炒作年青藝術家的繪畫，青年學生耳濡目染受此風氣影響，反而造成在題材和技法的表現上，出現了快速同質化的趨同現象，甚至演變為一種追逐流行與媚俗市場的動機或心態。

＜造型藝術類得獎作品評審意見＞

▓ 林建忠－ 創傷 Trauma
創作者利用架設在右手上的攝影機，錄下了一場個人與創作對話的過程，同時，也堪稱是一場行動的演出。在演出過程中，激動的影像成為身體行為的一部份。如創作者自述所言，他試圖在接觸個人「身體記憶、創傷、直覺」的過程中，使觀者得以透過「光影」和創作演出者「身體存在那當下的真實體驗」，來感受此一作品。作品的內容展現了似隱若現的身體激情，就情緒動力的宣洩與召喚而言，創作者顯然是成功的。也由於攝影機的架設位置得宜，避開了可能因鏡頭的強制性所致的身體煽情。儘管如此，此作仍然不無表演過度的疑慮。再者，介於「再現」與「演出」之間，創作者的行動激情與精神理性之間，究竟如何平衡，而得以完成一件理想的作品，這也是值得再思的。

▓ 邱竣傑－ 萬象皮革廠
在第一時間，此作使人自然而然想起陳界仁已作於2003的《加工廠》影片創作。儘管可能受到陳界仁的啟發或影響，創作者仍然在影片中注入了作為後進者的嘗試與詮釋。以在廢棄皮革場所找到的八釐米紀錄片作為並置的文本，創作者試圖利用現實世界仍然存在的空間，建立一種後設的對話，結合過往工作者的口述回憶，讓廢墟的現場與殘餘物料發出場所與物自身的存在感性。鏡頭在廢墟空間與殘餘物料之間進行的移動，彷彿模擬放大了一種視覺性的撫觸──這部份應是作品中最值得注意的部份。不過，此作最理想的展覽呈現方現，明顯仍有再思考的必要。更明白地說，以縮小模型的方式進行展出，並非明智的方案。

▓ 陳依純－ 室內風景
創作者利用數位拼貼的影像，再現當代消費主義社會當中，城市便利商店或速食店的意象，藉以凸顯全球化時代刻板的日常消費印象。淨空的場景，空蕩蕩無人，重複而反覆的影像播放，近似一種視覺催眠，更加深了消費社會給人千篇一律的相似感、單調，甚至無聊。由於當代消費生活的本質上是如此單調，創作者卻反而因為過度簡化了這種單調，使得此一作品的視覺樣本採擷與豐富性均明顯不足，有時甚至給人一種太過虛擬或虛構的場景虛幻感。畢竟，僅憑藉少數幾個鏡頭不斷地反覆播放，這彷彿也是對於當代日常消費生活的另一種刻板意識形態，因此顯得說服力仍有不足。雖然如此，在創作的意識上，作者大致走出了重要的一步，未來應仍有極大的發展與開拓空間。

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＜造型藝術類得獎作品評審意見＞

▓ 郭俞平－ Landscape 1
創作者選擇一個只保留硬體的「家」，並試圖去填補以往存在的內容，透過多方面的互動和資料搜尋，經由自身對「家」的詮釋，以自己的語彙再重塑一個結合歷史殘留下的視覺和自我思路的表達方法。這種以近看事物，並且主動邀約的方式帶有空間的辯證，與其只是單純的紀錄，還不如讓事物再現在我們的空間。讓現有的空間結構保存，反應時間性的差異，更能看出創作者的意圖。該作品強調「風景」的呈現手法，要觀者重新觀看，以一種隱喻的力量敘述「看」的可能性，同時凸顯了被看物的表現性和存在感。

▓ 蒲帥成－ 還在這裡（Still Here）
班雅明曾以「靜止辯證法」（Dialectic at a Standstill）分析人口集中的都市眾生相與救贖的可能性。創作者在此選擇以影像方式做表現，風格中透露出電玩視覺的畫面，影片中主角所帶入的畫面似乎有每一階段的「靜止」，但畫面不間斷的湧入，除了反應出主角投射自身在社會與城市間的距離感之外，社會距離是大都會社會化的基本形式，高人口密度和擁擠的空間表現出來的又是另一種的現代性。影片內容的銜接帶有零碎化風格，凸顯出個人和群體之間的辨證張力，唯獨可惜的地方是結論的收尾，過於模糊不定缺乏作品前段的張力表現。

▓ 林仁達－ 珊瑚
四個事件貫穿整個影片，內容並都沒有直接的關連性，時空背景也是交差排列其中，甚至於主角的對像並非只有創作者本人。創作者藉由閃電的光比喻如同靈光乍現，串起四個故事的關連性，白光的運用很巧妙，不明顯卻很重要的視覺保留。影片中即使事件隱述不同，但影片中的呈現都盡可能的「畫面化」，所以即使事件不同但視覺調性也有了整合。在此珊瑚潭似乎也就成為所有事件的「歸屬」，雖說談的是過往，想的是舊夢，「珊瑚」談的卻是理想與未來。整體看來像是清描淡寫的敘述，卻是歷歷清悉可見的作品。

＜造型藝術類總結＞

作品之間的程度落差明顯可見，同學們在創作的同時也力圖追求自我的原創性，相對的還是有學習過程中免不了的「被影響」。比較期待未來可見的是，希望大家在關懷社會和文化大環境同時，能有更明確的自我立足點，這是今年參賽者比較缺乏的觀點。送件作品原則上是媒材不拘，形式不限的自由條件，多元化的媒材使用中，也反應出當下校園內的創作媒材選擇風氣，創作者「手感」的部份退居幕後，高科技的機械操作取代傳統創作方式，同時也更挑戰作品中的觀念程度是否新鮮與成熟，由這次得獎作品明顯可得。

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＜造型藝術類整體總評＞

Being on the jury to decide on the S-An Cultural Foundations visual arts grants this year has been both a privilege and an enlightening experience. It has given me the opportunity to contemplate the works of artists in Taiwan applying for the generous financial assistance offered by the S-An Cultural Foundation. I think this grant not only supports but encourages emerging artists in Taiwan to pursue further study and continue working in the areas they are artistically developing in. Coming from overseas I think this has been a great opportunity to see what art students are currently producing in Taiwan. I found the exchange between all jurors a motivating learning experience and it was also a pleasure to discuss art with other experts in the area.

Generally the overall standard of work was satisfactory and I feel works which were more developed in concept particularly stood out from the others. The panel process was a suitable way to judge works and I feel that it was helpful that the jurors were able to speak to each other during the final decision phase to discuss the more compelling works, and also to clarify some of the ideas in the works themselves. From this process I had a clearer picture of the works and their strengths and weaknesses.
Overall there seemed to be a greater tendency towards installation and video works. I think the decline in painting and sculptural works is disappointing, as I think these areas do need to be further developed in art schools, but I also acknowledge that this is also a global trend. The stronger conceptual pieces do show the maturity of some of the artists and I think the work expressing the artist’s individuality rather than what is the popular norm are more convincing.

I think the S-An Cultural Foundation is doing a great service to the arts in their support of artists and the development of culture in Taiwan. I would like to thank the other two jurors, Chia Chi Jason Wang and Yi-Chen Hung for being very accommodating and introducing me to the Foundation. I would like to also thank the CEO at S-An Foundation, Megan Liao and her assistant, for their help.

＜造型藝術類得獎作品評審意見＞

▓ 李柏廷－ B E T W E E N
The work came in 2 parts, that of the concept in a digitally animated form and then the video of the work in situ. This large installation consists of large ‘breathing’ sheets of material, where the sheets move in and out as if inhaling and exhaling. The work allows the viewer to interact, enter and wander through a passageway as the work continues to move in and out. This piece was convincing as the viewer moving between the sheets and the act of participating in the work itself represented the persuasive notion in which the viewer became the object in between.

I think this piece worked both aesthetically, as it is quite beautiful in the way white sheets slowly moved, and as a concept that allowed the viewer to participate in weaving in and out “between” the piece. The formation of space that was empty and full created not only a visual significance but sensory allusions and as such the installation does give the implied sense of one being between. On another level, by entering the work there is an element of the unknown as at times one can not see what is beyond the passageway when the sheet moves out, yet when inside there seems to be a cocoon of ‘softness’ created that at once also produces a sense of comfort when inside. Is this in between space one that allows a belonging, a sense of knowing once inside? And does the constant breathing sound also allow an aspect of comfort in its consistency.

The work does have a number of complexities of which the artist may or may not be aware. However, from the point of view of issues dealing with the concept of in-between on levels particularly related to the Other, this work has a number of prospects which could be further considered.

▓ 張暉明－ The Last Rose
This installation piece consists of a single white rose which is being vibrated by sound waves, and is also being lit at certain dramatic angles and times in regards to hot and cold types of lighting. I found this work to be both compelling and painful to watch and I think extracting such an emotive response from the viewer contributes to the success of the piece.

Absorbing was the way that the rose was vibrating to an extent that was unnatural, something not associated with this object often viewed for its simple beauty or even as an object of romance. But a rose could also be construed as an ‘innocent’ object that does no harm. The rose is placed under impossible conditions created unnaturally and as such it seems to be tortured and alone. The viewer watching this is witness to a cruelty being performed, and also perhaps the end of a species. Is the viewer then part of this cruel act in the inaction they ultimately take as bystander? The lighting further enhances the sense of an ‘out of control’ situation and the possibilities of end of rose’s survival.

The sense of lose and trauma in this piece is extremely compelling. There also is a sense of impending doom, as the viewer perhaps wonders can anything, especially a simple rose, survive such a cruel and painful act. As such the work is successful in conveying the sense of trauma and immanent loss in the body of a rose. Although the artist was using the rose, the work may represent further implications in the wider world in regards to the survival of a number of species, or the question of torture in relation to other contexts which could be considered further.

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＜音像藝術類個別作品評審意見＞

▓ 自拔Autoextraction（2D淡彩黑線動畫）
本片的主要故事是以圓形鏡子或鏡頭的圓狀世界觀看男性主角之自我。攬鏡自照、蒼蠅迴旋後的觀點、類似腸鏡之身體內觀、三菱鏡或鏡邊所呈現之人體殘缺對稱、自觀牙齒、與另一個自我相互扯臉，一直到鏡子(或鏡頭)破裂，造成分裂之自我形象等等，分多層次地描摹年輕主角的自戀舉止與內外心理情狀。

技法上以圓形鏡子或鏡頭觀點正視著裸體，來表達男性自戀，手法相當砌合真實；深墨白描與淺淡色澤使用也能切入「獨自品嚐自己」與「自戀與蒼白膠著」的涵義。本片或許不只表現自戀，尚可能隱藏暗示同性戀情的設計，是具有創意的短片，加上其計畫中的映演方式，將「影片投射在一個白色半球體上，以傳達人們窺視的慾望」，更顯示不僅有形的鏡子對照著自我，還有無形的監視鏡頭的存在，容許他人觀看別人自戀的秘密世界。

▓ 黃祈嘉－ 童話獄 The Everlasting Tale（2D動畫）
以魚象徵大自然被人類無止境地消耗之動畫片。情節簡單，主要分成四大情節，一是魚不斷地被砍下頭來，也接連著被嘴巴吃掉的故事，其二是，魚頭後來意外變成兔子的頭，接著便成家庭中女兒的頭，最後加諸於雞身的雞頭，為類似太陽的圓形體，成就一番想像追逐的故事。因此本片不全然只是談論人與大自然對立的描寫，也切入時間、母女關係、森林、城鎮與書籍繪本等等內涵。

本片以諸多片段重複動作，來表達人類對大自然不可剋制的持續剝削，也因為重覆過多，動作又呆滯不順暢，讓觀影成為一種負荷。比如魚頭被砍下而掉入大牙嘴中，就以同一形式往返多次；或者後來魚頭掉到兔子身上，結果行成新動物，該新動物行走於來回不停的時鐘上。這些均無法以更多的細小情節累積新的發展，讓觀者無法認同，從而產生抗拒，或以為跳針或光碟有問題。

另外，影片導演使用過多會畫技法，導致色澤、質感、線條等之美感無法統一，全片存在著多頭馬車併裝的問題。不過，儘管影像的技術面夾帶瑕疵，音軌的配音倒頗見趣味性。

▓ 噫？耶！台北（2D動畫混合照片、圖版與真人演出）
台北人變得很歐洲！台北文化已經很混血！或者台北早不是傳統在地人理解的台北！這些以幽默兼夾戲謔目的出發的敘述，意圖呈現反諷、反官方、也反歷史學術研究，可說是KUSO宣傳版的「台北人的家」。

首先，內容重點是台北人的家居，片名確是「噫？耶！台北」，真實是：想談的遠大於內容所含蓋的。根據台北故事館公告之起源，本建築乃日據時代由台人「陳朝駿家族於1914年興建圓山別莊作為招待客人以及與上流人士的社交場所」，並非荷蘭人所建，作者於開場之背景描寫與此有違。同樣地，安平古堡雖為荷蘭人所建，卻不坐落在台北周圍，而遠在台南。

無論如何，包括許多歷史的描繪，均海闊天空，不著邊際。本片的「胡言亂語」似已經達到其反「逐漸單一化的台灣印象」，自己卻又落入無邏輯的推理中。舉歐風家居為例似有道理，但一定是荷蘭嗎？日式建築、美國風的現代生活又如何深深超過荷蘭對台灣的影響？
這是一部高舉著造反有理的批判短片，造反了之後建構了什麼想像呢？你的信仰在哪兒？誰支持你缺乏明確指向的批評？應該還需要更多引證來說服觀眾吧！

▓ Food（實驗影片，由塑膠鴨子與真人演出）
本片以不加旁白之實驗影片形式呈現，故事當中除了代表肉類的鴨子由量產的小塑膠鴨代替外，其於的，演員與代表植物的水果均以實品演出。

整個故事發展從有一隻鴨出現在廚房的俎板上菜刀旁，然後又出現於有湯匙與筷子服侍在旁的圓盤內開始，過程經過水果掉入清水（或算滾水）中。接著盤中被丟入的許多鴨隻， 唯一的主角女性開始先吃一隻鴨，但含在嘴裡真的吃不下去，後來兩隻鴨硬塞進到嘴中，也是如此。不過自從食物換成番茄後，她就吃著津津有味，還不停地留了口水。

由於拿小塑膠鴨代替真鴨，其他水果由真品演出，儘管塑膠鴨在想像上某一程度仍舊能代表肉類，但實際表現上，不管它們的相對尺寸或主角咀嚼它們的行為上，都一直顯然存在著無法被視為同等合理的嚴重落差。既然觀眾無法接受小塑膠鴨子為真實肉類（它們當然是塑膠沒錯！），那塑膠比對水果又是怎樣的意象呢？說來說去，4分30秒的長度並沒辦法讓故事一路延展下去，並開創令人心儀的細節。

本片有著它操作象徵物件上的困難，這是非常根本的問題，可能導演還必須重新好好的回頭想一想！


▓ Flow Design－ReNew / The Future not Future（2D手繪黑白動畫）
在無人的荒城中，孤單小花鹿（如果可易簡化的說的話）追逐一種黑色流體生物，流體生物最後演化成密不通風，如大雨般的從天而降，灌入花鹿的頭與身體內。

意外地，我們才知道，被導演甩了一道，原來這事兒發生在遊戲機上，而玩遊戲的是居然是身著太空衣的人，或者不，這是真實的太空情境，或者大地已經被污染後的隔離監控飛行器的駕駛艙內；而且駕駛員半邊的臉，分明也早被那流體生物所感染，而出現黑色液體流動狀態了。

這時天空又掉下來一個箱子，那箱子內裝著小花鹿…。我們又得想一想，是不是又要從頭開始了呢？
本片節奏迅速，分鏡細致，寬景與特寫均表現得當。故事雖然簡單，但手繪動畫筆觸不俗，環節生動迷人。更重要的是，兩位導演仍能在劇情演繹上扣緊生態議題。此外，本片之環境聲音與動作音效搭配得宜，音樂切入佳，多重聲軌的綜效具專業水準。

▓ 余紫詠－ 鮽中娛 FlowerFish（2D彩色動畫）
李幼鸚鵡鵪鶉於破報所撰之「吾、我、余：《鮽中娛》」一文已經將本片形式與內涵描繪非常地詳盡，女性細膩的相關議題以及本片片名與導演本人名字的巧妙連結，無不有精彩的剖述，於此不再多言。
許多室內房間隨時可見的擺飾，彼此之間的有機與超現實的連結，開展出令人競艷的精彩成果，魅力十足。

有著人眼的魚、人形魚嘴、萄紫色之花、乳狀花瓣、裝有清水之魚缸、橢圓形鏡子、陰陽壁紙、多乳狀圖案之桌布、花蕊變身紅辣之舌頭、電話線突變成香腸、似陰道之的多重窗頁、窗頁底的粉色球狀物、主角寬衣與魚缸破裂同時發生、女性裸體背影與魚體並列等等，一再顯示豐富的象徵意義，是一部巧妙結合生活元素，細緻操作女性個人想像之流動世界的作品。其故事轉折控制婉約流利，色彩運用傑出，音樂之搭配亦佳。

*文／李幼鸚鵡鵪鶉
花瓶中，女性胸部（奶頭？）般一樹的紫花。這些花（這些女胸？）情色地望著缸中的魚（或是魚所在的缸），想要貼近。一缸青藍色的水與一尾人小鬼大的魚。開場就遇上了我最迷戀的紫（violet）與青藍（azur）。劇情被我描述得這麼不確定，是我怕你如果愛用佛洛伊德，那麼，女胸女乳般的花究竟是在追求男孩陰莖般的魚呢？或是愛慕女性陰戶似的缸呢？我寧願提供兩種可能。

片名映現。中文片名我怕電腦打字無能為力，那是導演自創的新字，非常有創意。英文片名是《Flower Fish》。片名從中文到英文，還有導演的大名，我特地用青藍色與紫色寫在一張大白紙上，央託張烈東先生ｅ給史美延先生轉交〈破〉報藝術總盛（美編Ms.蕭雅倩），向她求助。紙上這些字，經由我的書寫方式，玄機乍現。

女人（本片的主角）在花瓶前，在魚缸旁。

牆上兩扇窗搖擺開闔（好似女性陰戶的張與閉？）。女人美麗的紫衣有青藍盤花鈕扣，頭上青藍頭飾或青藍髮夾，外加青藍耳環。

鏡中女人梳頭（虛像！）。鏡中幻化成優雅的女人（想像也是「虛」而非「實」體！）。鏡中另一種優雅的女人。（想像的多種可能性？）

鏡中女人（主角本人）。

鏡子裡「幾朵激動搖曳的花」或「花卉的激情」。我在這提供了兩種建議。費里尼（Federico Fellini）電影《La dolce vita》片名只有一種意涵《生活的甜蜜》，費里尼表示譯成Easy Life或Sweet Life是錯譯。雷奈（Alain Resnais）電影《La vie est un roman》法文原題也只有一種意涵《生活像小說》，可是英文譯名《Life is a bed of roses》讓我困惑，究竟是「生活是一張玫瑰床」呢？

無論是「激動搖曳的花」或是「花兒們的激情」，恰似水中的……，但見，大特寫花的「內部」（花芯？心臟？陰戶？）情慾奔放，對比缸中魚的躍躍欲出、果真躍出。無論女、男、動物、植物，大家都有情慾？彼此如出一轍？魚躍出水面，就像花的綻放、盛開、激情？魚躍出水面，又宛如魚貪慾好色地望著那幾梨花！

女性奶頭般的花朵，被躍出水面的魚咬住（多麼感人的場景啊！魚為了愛與sex不惜離開存活的水缸，花為了愛與sex，總想擺脫花瓶與莖葉）。魚的吸吮花朵既像嬰兒吸媽媽的奶頭（所以女性胸部的汁液也恍如魚兒或男孩生命的活水？），又宛如男孩陰莖被手或嘴masturbation！

鏡中女人整理儀容。

鏡中女人。鏡中女人背後瓶花動盪（藉用花兒們的心思側寫女人的情懷？）。

實體本尊，女人走向花瓶與魚缸，望見魚在吸吮一朵花。

女人抓起魚，扔回魚缸。魚在水中暈頭轉向。魚眼大特寫，見女人拿起電話，由話筒或聽筒飛出朵朵慾花？片片妖花！周遭粉紅飛揚。好一幅超現實美景！魚躍出水面，咬住花與花相接的線（或是電話線？）。女人再捉住魚，扔進缸中水裡。花與花相接的線與電話線都是溝通的管道，主角的行為卻是背道而馳，棒打鴛鴦或拒人於千里之外。

女人走向魚缸。鏡頭由缸中「觀點」、角度仰看女人的臉貼近缸口。魚游向女人。女人的窗（隱喻「心房」？「情慾」？「陰戶」？）關不住了。兩扇窗之間，空隙似陰道，裡面大批紫粉紅色圓球活像卵巢。在地板上的魚睜大青藍色隻眼瞪著，張開大口（嘴裡大批紫粉紅色圓球是牙齒？）。女人兩眼與青藍色耳環大特寫，她那兩眼也是紫粉紅色大批圓球構成。窗、魚、女，超越物種的同質性？或是三位一體？

魚躍入水中。女人端起魚缸走過屏風。女人望著缸裡水中自己面容（虛像！）。魚仰望女人，魚（本尊）與女人（水中虛像）合一！本片最動人的隔水交媾、虛實相叠！魚跟女人互相「進入」！實與虛也能超現實「性交」！魚岳打翻破裂，女人衣衫褪去（脫光），雙方各自擺脫「束縛」？魚跟女人（裸體的主角！）在超現實的、畫一般的水波旋轉。魚跟女人在大池裡游著（可貴處在於女人不必總是讓魚牽就陸地上的女人，彷彿女人認同了魚的族群與魚的世界，像魚一般徜徉水的領域！不再人類沙文主義之於動物，不再陸上族群霸權高姿態之於水族！），游向紫輪映著的青藍水中。紫輪因camera運動而出鏡，女人（裸）跟魚在一望無際的青藍色水中。

把紫色與青藍色拍攝得這麼美麗、這麼風格化的電影，連導演、編劇、美術的姓名都很紫：余紫詠！莫非青藍姓氏或名字的人都不爭氣？音樂與音效只好由黃色代勞：黃乾育！

中文片名第一個字左邊是「魚」，右邊是「余」；第三個字「娛」的右邊「吳」是吾的諧音，跟「我」、「余」互通聲氣。「娛」的左邊是「女」（female），跟英文片名《Flower Fish》都是F字母起頭的字。正導演本身姓「余」。片中的魚可以有3種讀法：魚是男孩，本片是女性由被動逐漸情慾解放、主動出擊的異性戀sex愛冒險旅程；魚是女孩，本片是魚、花、女人三位一體（或者加上窗戶，四位一體）的女女同性慾望大放送，堪稱最美麗的女同性戀詩篇與女同志的性愛寶典；魚是「余」是「我」是「女人」（主角），本片是一則女性自我解放的心路歷程。2010年女性影展不可錯過的奇片。可以預料，多少年後依然會在台灣電影史發光發熱。本文承蒙游婷敬、簡偉斯、江夢軒賜助，方才寫成，謹此致謝。

▓ 廖祈雨－ 向女孩那樣 As like a girl（彩色短片）
六段同一女子頂著紅色大蝴蝶結（帽子）的扮裝，結合成一則短片故事。於是，場地與女子的衣著，加上其行為，構成本片的核心。

由於具有行為，卻缺少故事，我們可能以視覺藝術當中的藝術表演的表現來看這一支短片，或許比用傳統實驗短片的角度來衡量它，較能貼近作者的心聲。而且，類似相同行為的攝影，比如將一張全新紅色絨布沙發載到全美國各地，放置於離攝影機一模一樣的距離，卻在完全迥異背景的地方留影，一直到沙發骯髒壞去，三十年前美國人做過如此的觀念攝影。這種影像跟現代藝術思維，以及「跟隨流浪」之藝術觀念密不可分，湧溢於眼前。

於是，如果我們可以將此片納入此一範疇，我以為有兩點值得提出討論：
一、整部片子除了超商與過馬路外，導演都尋找背景乾淨的空間拍攝，試圖建立一種單純有力的簡約視覺力量，凸顯紅色大蝴蝶結；
二、前兩段演員保持於鏡前繞圈；
三、四段她大抵直立居中面對攝影機，然後朝機旁側面走過；
五、六段則採取讓她斜側方經過畫面的手法。

因此認真的來想，導演的目地是多重的，只是想讓紅色大蝴蝶結出現在可控制的多種情境，畢竟除超商與過馬路外，也都是可控制的無人地方。我以為，稱呼此影片重走現代主義攝影之路的藝術錄影（或稱錄像），亦無不可。它成就了一種形式上的視覺宣示；但可惜的是，觀念深度與行為執著的加強，好讓影片形塑更強大的力量，則有待深思。

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＜音像藝術類整體總評＞

今年世安藝術創作贊助的音像藝術類，參賽件數雖比過去少了些，但我覺得這次作品的品質並不低。總體來講，從表達形式與主題的面向而言都堪稱優質，可以看見學生力圖在大小格局的作品中找尋屬於自己的影像風格與表述的題旨。其中，動畫影片無疑表現得最為精彩，無論就議題與影像構成而言，都展現了實驗精神與創造性。倒是劇情影片沒有讓人有格外驚喜的作品出現（線）。但真正令人感到意外的是，紀錄片竟然缺席，這對年產量可觀的台灣紀錄片來講並不是一個正常的現象，希望來年可以看到更多在學的記錄片工作者將觀察與思想現實題材的好作品投寄過來，豐富世安音像藝術作品的向度！

＜音像藝術類得獎作品評審意見＞

▓ 余紫詠－ 鮽中娛
這部動畫影片的創作意圖非常鮮明，藉由中國女子既古典又典雅的形象來思考性／別建構的議題。一般來講，要在這種「政治正確」的題旨下重新注入新穎的方向並不易。可喜的是，作者運用了許多視覺元素與母題，如魚、鏡子、花等重要構成要素進一步使得女性慾望與身體的形象化過程達到相互對話的效果。其中，對於「魚」所做的音畫思索，十分精彩：游動的魚，既是娛悅的反思，也是對逾越的挑戰與實踐。種種介於字與音，影與畫之間的變動，讓這部就畫功來講或許會讓人挑剔的影片不再只是敘事的動畫影片，而是閃動著省思亮光的感性觸碰。

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＜音像藝術類整體總評＞

2010年世安藝術獎的參賽作品比起往年相對地減少，但整體參賽作品水平並沒有因為量的減少而降低。評審會議也沒有因為較少件數而快速結束，反而對每件作品都有充足的討論，當然在會議裡面有共識也有分歧，正如所有的競賽獎項。

2010年世安藝術創作獎的得獎作品《鮽中娛》，為余紫詠的作品。魚缸中的囚魚與被困家屋中的女子，相互成為隱喻，影片最後女子與金魚雙雙游出生命的出口。此動畫作品有著細膩的女性動畫特色。這件作品成績亮麗，為世安年度之作，實至名歸。

此外，也要藉一點小篇幅寫一下我心目中的遺珠之作《自拔》。此件作品同樣地出自南藝的動畫所，描述少男與鏡中的倒影，作品回到古老的希臘神話中的自戀少男，作品簡單樸實又有深度，雖然作品沒有獲獎，但希望創作者能再接再厲，持之以恆。

綜觀所有參賽作品，雖然評審們並未偏好動畫作品，相對特別突出的均為動畫作品，這是否意味著台灣未來的藝術風潮將會是動畫作品的浪潮?

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＜表演藝術類得獎作品評審意見＞

▓ 董怡芬－ 艾蜜莉．狄金森 – 為每一個忘我的時刻
編舞家運用舞者的關係、借位、構圖、對比等方式，帶出女性在個體與群體間無盡追尋的孤寂。整體結構完整、意旨清晰，動作語彙乾淨俐落、不拖泥帶水。回歸純粹舞者、動作與空間交織主題的簡單風格，段落內容個個指涉明白，是一齣細膩、韻味十足的女性作品。其中獨舞者情感表現拿捏得宜，表現頗佳。

＜表演藝術類其他作品評審意見＞

▓ Going Under…
動作編排瑣碎混亂，語彙發展不足。整體結構不清，看不到表達的主題，像個未完成的作品。服裝對比的意義不大，寬鬆衣物減弱了動作質地，整體不佳。

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＜表演藝術類得獎作品評審意見＞

▓ 董怡芬－ 艾蜜莉．狄金森 – 為每一個忘我的時刻
黑暗中伸展身體、看望四周，搭配著低限延伸的配樂與迪金森詩句旁白，舞者(即編舞者)肢體細膩到位，呈現出女詩人孤寂卻自足的內心風景。柔軟身軀彎折下降、緩慢舉步移位，驟然遭受驚擾而抖動，跌跌撞撞的姿態，她撫摸著四週禁錮障礙，繼而屈腿跌落再掙扎站起；沿著牆面探索，猛然面對內心竄出的不同分身。中段是分身們或在面前晃動遊移或步步進逼，營造詩人凝視自我呼喚的對峙張力；其一與本尊親蜜共舞，以時間與動作細節質地上的落差表演出同一組舞句，表徵其相遇與協商過程。眾人奔跑追逐、碰撞牆面與頻繁進出的場景，側邊打進的光線在混亂中加添鬼魅氣息，但過於冗長。最後一段將前面獨舞、群舞對抗場面做更多發展與擴張，如個體連續迴旋的落寞，雙人互相伴隨時的對應與關懷。

由內在動機出發的動作設計，發散出強烈情緒能量，也同時具有一股女性獨特柔媚氣息。一對多以及兩兩對位的設計，加上空間走位變化以及多焦敘事手法，表現詩人複雜、敏銳的心思波動狀態，動作婉轉流暢，角度與方向變化有機靈動，小處細節的處理，整體編舞層次豐富且能切合主題意境做深入探究與發揮。

＜表演藝術類其他作品評審意見＞

▓ Going Under…
一切由一張白色軟幕開始，其後抖動不安的曖昧人影帶出表演基調，一名身著牛仔褲男子從前方經過空洞地往前直行，白幕中滾出一名女子，軀幹外挺、扯直雙臂、彎腰撫臉等動作帶有掙扎困惑意味。爾後男子將白幕拉出場外，六個上衣顏色不同的舞者甩入舞台，有人倒地扯動身體或躍起迴身，也有幾人扭轉糾結一團，隨後兩兩追逐，幫襯彼此動作，陰魂不散的牛仔褲男子從對角線穿越舞台。六人各自扭動、失去平衡而摔落地面，一起繞圈奔躍，男子與一名男舞者險要險相撞，一前一後做出相同舞句，舞者手上舉做出祈請手勢。結尾處，男子再度拉出白幕，將舞者們吸納其中，獨留下男舞者一人背對著白布，倒退出場。

表演敘事框架不夠清楚，男舞者與牛仔褲男子意喻不明，角色似有對位關係，卻未有周詳闡釋；動作設計缺乏細節整束，身體質感顯得隨意粗糙。似乎一切都來自於內心世界的混亂，除了低沉、騷動的情緒營造，並無能就主題做出明確階段性發展。若是要表達虛假生活中的無奈與困窘，過於簡單的白幕設計也未能成功鋪陳此一背景情境。